A Cronologia da Água, filme de estreia de Kristen Stewart na direção de longas, não se apresenta de forma simples — ele se infiltra com a fluidez silenciosa e constante da água. Nos serve uma lembrança que não pede licença, mas também não se deixa capturar por completo em seus detalhes.
Adaptado do livro autobiográfico homônimo de 2011 da autora Lidia Yuknavitch, o filme recusa a estrutura clássica da cinebiografia e prefere seguir o caminho — cada vez mais traçado por criadores — da experiência sensorial fragmentada quase tátil. Sua estreia na mostra Un Certain Regard do Festival de Cannes de 2025 não foi marcada por consenso entre crítica e público, mas ficou inegavelmente nas cabeças pela inquietação que causa.
A história acompanha a jovem Lídia e a sua infância marcada por abuso e silêncios impostos, passando por uma juventude em combustão (e autodestruição) constante. O filme, me parece, constrói um percurso onde o corpo é o campo de batalha e a linguagem ao mesmo tempo. Kristen não economiza em representações de vício, desejo, fuga e recaída — mas sem que nada disso se apresente em progressão formal. Aqui tudo que Lidia vive se acumula. Tudo volta, insiste e persiste.
A água, como o próprio título sugere, não surge apenas como uma metáfora — ela é a própria matéria dramática. Em momentos diferentes, ela invade, dissolve, purifica ou afoga. Às vezes, a água parece o único elemento capaz de traduzir aquilo que as palavras de Lídia não alcançam. E é justamente na escrita, na tentativa de reorganizar o caos de sua vida, que Lidia começa a se reconstruir. Não vemos aqui um intuito de redenção, apenas uma possibilidade de fechar feridas. Não recebemos seu movimento como cura, mas, sim, como símbolo de permanência.
Kristen Stewart claramente entende que a adaptação do livro de Lidia Yuknavitch não existe para ser contada, apenas sentida. E é nessa escolha que o filme encontra sua maior potência e, ao mesmo tempo, seu maior risco.
Performances, trajetórias e escolhas estéticas
No centro dessa espiral de sentimentos está a atriz Imogen Poots, em uma atuação que não está atrás de empatia fácil nem conforto. A Lidia que Imogen nos apresenta é instável, errática e muitas vezes indecifrável — e exatamente por isso nos toca como profundamente humana. Poots não interpreta o trauma da personagem — ela o carrega no corpo, nos gestos interrompidos, na respiração irregular. Vemos claramente aqui algo exposto, cru e bastante incômodo em sua atuação.
A escolha de Imogen para o papel também carrega um peso curioso quando observamos sua trajetória como atriz. Desde papéis em filmes como Extermínio 2 (2007) e Sala Verde (2015), até trabalhos mais atuais como Viveiro (2019), a atriz vem construindo uma carreira marcada por personagens deslocadas e frequentemente inseridas em ambientes de tensão psicológica ou física. Há em sua presença uma qualidade de estranhamento, uma espécie de fragilidade, mas que nunca é passiva. Em A Cronologia da Água, essa característica encontra talvez seu terreno mais fértil: aqui, ela não apenas nos transmite o desconforto — ela o organiza como uma espécie de linguagem. E isso deixa uma marca no espectador.
Ao seu redor, a irmã (Thora Birch), um mestre (Jim Belushi) e um namorado meio perdido (Tom Sturridge) orbitam como ecos de diferentes tempos emocionais. Nenhum deles tenta organizar o caos de Lídia — eles apenas coexistem com ele. Temos até mesmo uma participação de Kim Gordon (Sonic Youth) no elenco como uma fotógrafa e terapeuta de BDSM.
Tecnicamente, o filme, a meu ver, se destaca como a extensão precisa desse estado interno. A fotografia de Corey C. Waters aposta na granulação do filme 16 mm, na instabilidade, na imagem que parece sempre à beira de se dissolver. A montagem de Olivia Neergaard-Holm recusa a continuidade clássica e abraça o corte como ruptura ou como uma memória que falha, que salta, que retorna sem aviso e sem muitos detalhes. O resultado é um filme belíssimo de se assistir.
Uma parte importante da obra, a trilha de Paris Hurley surge e desaparece como um pensamento intrusivo, como sensação passageira. Fica muito claro para nós que nada aqui busca uma harmonia plena. Tudo parece existir em leve desarranjo, como se o próprio filme estivesse tentando se manter coeso — e falhando.
Com o nome de Ridley Scott como produtor executivo, e filmado entre paisagens que nunca se afirmam completamente gravadas na Letônia e em Malta, o longa reforça essa ideia de deslocamento ou movimento constante, quer seja geográfico, emocional ou existencial.
Kristen Stewart e o cinema como exposição
A transição de Kristen Stewart para a direção — que já vem ocorrendo há algum tempo com curtas — não soa como ruptura, mas como aprofundamento. Sua trajetória como atriz sempre foi marcada por escolhas que tensionam e desafiam o mainstream e o cinema autoral. Se, por um lado, ela se tornou mundialmente conhecida com a saga Twilight (2008) — que considero um de seus piores trabalhos —, por outro, rapidamente deslocou sua carreira para territórios mais arriscados, trabalhando com cineastas como Olivier Assayas, em filmes como Clouds of Sils Maria que lhe rendeu o César de Melhor Atriz Coadjuvante, e Pablo Larraín com o sensacional Spencer (2021), onde sua interpretação de Lady Di foi amplamente celebrada.
Esse percurso traçado por ela não é apenas contextual — ele é visível na forma como Kristen dirige. Conseguimos ver que sua experiência como atriz deu a Kristen um entendimento profundo do corpo do ator, do tempo da cena e do que acontece nos intervalos entre uma fala e outra. Seu cinema parece nascer dessa escuta atenta.
O filme de Stewart não quer agradar — sentimos claramente que ele quer nos tocar. E tocar, no caso, significa também incomodar, desorganizar, por vezes afastar ou gerar rejeição. Há momentos em que considero A Cronologia da Água um tanto exagerado, beirando o indulgente em sua fragmentação exagerada. Mas talvez esse excesso seja justamente o ponto: Stewart não está interessada em lapidar a experiência, mas em expô-la em sua forma mais crua para nós digerirmos.
Vejo algo de profundamente físico em sua direção. O corpo não parece apenas veículo narrativo. Funciona também como memória viva e trauma. A câmera, que vemos sempre próxima e de forma quase invasiva, parece buscar o que sentimos antes de entender a imagem. Estamos diante de uma obra que claramente não se resolve quando termina, mas que pretende continuar reverberando como água em movimento que nunca encontra forma definitiva.
O que recebemos nessa experiência marcante não é uma promessa ou um “golpe de sorte”, não é a estreia de uma diretora “promissora”, mas a de uma autora já completamente formada que não esconde sua forma imperfeita, intensa, e absolutamente comprometida com um cinema que não vem mastigadinho e semi-digerido.
A Cronologia da Água estreou nos cinemas brasileiros em 2 de abril de 2026.
